Más de 100 películas recomendadas en 2020 para ver en el verano del 2021

Desde la sección de CINE a pantalla revuelta tenemos por lema “buscar el cine que no elige el algoritmo”. Nos interesan las películas más allá de los tiempos de la novedad mercantil que te bombardea con “lo que tenes que ver sí o sí ahora” y te pide olvidarlo al mes siguiente. Y también nos interesa evadir las recomendaciones robóticas de la burbuja digital que te ofrece sólo lo que “seguro te va a gustar” en vez de buscar ampliar los horizontes.

Para ampliar la mirada, ver cosas raras o relatos que no siguen el lenguaje aceptado, conocer directoras y directores cuyo arte no tiene el empujón de una empresa o de la memoria oficial: el cine tiene más de 100 años de historia. En plena pandemia y donde todes nos vimos conectados por miles de pantallas, te contamos con entusiasmo de una buena peli que salió hace 5 días o de una que salió hace 50 años.

También es importante para nosotres contar que en el 2020 cambió de todo en el mundo audiovisual y eso continuará. La crisis trajo cierres de salas en todo el mundo, suspensiones de rodajes, centenares de miles de pérdidas de puestos de trabajo y cajoneos de proyectos. Se aceleraron cambios y transformaciones que llegaron para quedarse, como el peso de los gigantes del streaming que se sienten los grandes ganadores frente a las nuevas formas de consumo, multiplican sus ganancias y sus “imposiciones de gustos” en plena pandemia. Hablamos e invitamos a hablar de esta nueva situación en el mundo del arte.

En medio de este escenario, entre recomendaciones, debates, críticas y entrevistas que publicamos hay más de 100 películas que podes agendarte para elegir las tuyas y verlas en el verano de 2021. Vistas con las miradas diversas de un amplio equipo de apasionados cinéfilos. Muchas de ellas pueden encontrarse online en diversas plataformas y otras compartidas por usuarios entusiastas que las ofrecen en la red más allá de las restricciones comerciales.

Agenda de Cine y pandemia

Durante los primeros meses de la cuarentena impulsamos el ciclo Cine y Pandemia . Podes recorrer una serie de videos cortos, cada uno de ellos tiene recomendaciones de 3 a 6 películas de diversas épocas, directores, estilos y nacionalidades, unidas por un mismo tema que elegimos por una problemática actual. Historias diversas sobre temas vigentes que se conectan a lo largo de la historia, porque nos vienen pasando cosas parecidas desde hace décadas.

Salud y capitalismo, que desnudan los negocios de farmacéuticas y laboratorios.
Italia y la lucha de clases, con grandes clásicos que traen al presente una enorme tradición de lucha.
Precarización laboral, una realidad que recorre el mundo y la pandemia deja al desnudo.
Migraciones y nacionalismos, las imágenes de una xenofobia creciente.
Crisis de 1930, para traer a la memoria esos tiempos y sus ecos actuales.
Control obrero en Argentina, historias de las fábricas recuperadas en el país tras la crisis de 2001.
Control obrero en el mundo, películas que inspiran a pensar salidas anticapitalistas a la crisis.
Vejez y discriminación, el desprecio del Estado a los adultos mayores dejó también su huella en el cine.
Racismo y violencia policial, porque las imágenes del asesinato de George Floyd pueden verse en el espejo de una amplia producción audiovisual.
Luchas obreras en Estados Unidos, las imágenes de una historia escondida en el corazón del imperio.

El ciclo de 10 emisiones contiene más de 40 películas recomendadas de grandes y variados realizadores como Spike Lee, Ken Loach, Agnes Varda, John Ford, Patricio Guzman, Deborah Shaffer, Bernardo Bertolucci, Mario Monicelli, Boots Riley, Joaquin Jordá, Marin Karmitz, Francesco Rosi, Aki Kaurismäki, Herbert J. Biberman, Boo Ji Young, Rainer Fassbinder, Tim Robbins, Charles Chaplin, junto a documentalistas independientes y producciones del colectivo Contraimagen, entre otros. Recorrimos la historia del cine para conectarla con temas de actualidad porque como dijo Luis Buñuel “cuando el ojo del cine realmente vea y nos permita ver, el mundo estallará en llamas”.

Agenda de Cine en 2 minutos

Pensando en la dictadura de google, los ritmos de trabajo alocados, los móviles en cada mano y las redes que exigen distracciones rápidas ofrecimos Cine en dos minutos donde podés conocer velozmente una película o un director, especiales para twitter e instagram. Un formato ágil que rescata producciones tanto de la historia como del presente. No se diga más, que no hay tiempo:

Una canta, la otra no, de Agnes Varda. La historia de dos amigas, el derecho al aborto y la lucha de las mujeres
El secreto de Vera Drake, de Mike Leigh. La historia de Vera Drake y su intuitiva solidaridad de clase y de género: ella ayuda a las mujeres pobres a abortar
El silencio es un cuerpo que cae, de Agustina Comedi. Después de la muerte de su padre comienza una investigación para conocer su pasado.
La trinchera infinita, de Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. La historia de quienes se escondieron del franquismo durante décadas en sus propias casas.
Cómo funcionan casi todas las cosas, de Fernando Salem. Una película de mujeres que buscan una respuesta a sus vidas en medio del desierto.
Gambito de dama, de Scott Frank, Allan Scott. La miniserie sobre una ajedrecista que rompe los juicios morales y estereotipos de su mundo.
George Romero, ícono del subgénero zombi. Halloween y un repaso por el creador de las películas de muertos vivientes en la historia del Cine.
La tierra quema, de Raymundo Gleyzer. Documental filmado en 1964 en Brasil, sobre la problemática de la pobreza y la tierra para vivir.
Borat 2, de Sacha Baron Cohen. Se metió de lleno en la campaña anti Trump, al punto que «Donald» atacó al director acusándolo de «farsante».
Las manos sobre la ciudad, de Francesco Rosi. Una película sobre la problemática de la vivienda y los negocios inmobliarios.

Agenda de entrevistas en video a realizadores

Obligados a relacionarnos por pantallas conectamos por zoom con realizadoras y realizadores del cine independiente nacional, conversamos en profundidad y grabamos varias entrevistas donde podés conocer sus estrenos y sus otras películas para agendar, ademas de sus ideas sobre el cine y la actualidad. Al finalizar la entrevista cada uno de ellos respondió a una pregunta muy importante para el arte ¿por qué el capitalismo merece perecer?.

Tatiana Mazú, jóven directora que presentó su documental “Río Turbio” en Mar del Plata, sobre el lugar y la lucha de las mujeres en un pueblo minero.
Clarisa Navas, directora que presentó “Las mil y una” película sobre amistad y diversidad sexual en un barrio periférico de Corrientes.
Ezequiel Rudansky, director que estrenó “Planta Permanente” donde aborda las divisiones de clase y cuenta con la participación de la actriz fallecida este año, Rosario Bléfari.
Benjamin Naishtat, a propósito del estreno en Netflix de “Rojo”, una película sobre la complicidad civil con la represión y la dictadura.
Tetsuo Lumiere, un director que mezcla cine mudo, comedia, drama y ciencia ficción en su particular cine, hablamos sobre la serie “El coronavirus y yo”.
Pablo Fiedler, realizador de “La tierra que arde” aportó su experiencia registrando los incendios forestales.

Para terminar el año publicamos un especial para cinéfilos a propósito de que Jean Luc Godard cumplió 90 años, con entrevistas a Roger Koza, Lucía Salas, David Oubiña y Eduardo Grüner. Una hora y cuarto de profundo cine:

Larga vida al cine de Godard, aprovechamos la excusa para hablar de su cine. ¿Por qué es Godard uno de los directores más importantes del siglo XX y del siglo XXI? ¿Por qué se lo considera un cineasta moderno y de vanguardia? ¿Cuál es su aporte a la renovación del lenguaje del arte cinematográfico? y obviamente una buena lista de títulos para tu agenda de cine.

Agenda de estrenos, series, críticas y debates

Durante 2020 todos los estrenos de películas, series y los festivales pasaron a ser online. En la sección de Cine podés navegar una extensa serie de artículos y reseñas que te acercan un panorama amplio e interesante de propuestas audiovisuales diversas. Aquí te dejamos links sólo a una pequeña parte de ellas que van desde lo nuevo de Spike Lee repensando la Guerra de Vietnam con 5 sangres, hasta los últimos estrenos nacionales como Vicenta, una película de animación sobre la necesidad de legalizar el aborto.

El monstruo Netflix ofreció de todo y sobre esto se escribió, como Pienso en el final, lo nuevo de Charlie Kaufman; la polémica Guapis que desató debates sobre qué es ser niña y ser mujer en tiempos de redes sociales; Yo, adolescente, donde la soledad y la tristeza pueden ser peligrosas compañías o Radha Blank que se hace Rapera a los 40. Con La vida ante sí, Sophia Loren volvió al cine a los 86 años con una emotiva película dirigida por su hijo. La serie Gambito de dama generó diversas reseñas y opiniones.

También documentales como Crip camp, la rebelión de los marginados sobre un grupo de jóvenes discapacitados que pelean sus derechos en Estados Unidos; Mi maestro el pulpo del sudafricano Craig Foster, que cuenta cómo logra entablar una relación de amistad con un pulpo o la reciente Rompan todo la interesante historia oficial del rock que no rompe demasiado con nada. Otras recomendaciones de documental y ficción tuvieron su lugar en la columna de los jueves del programa en vivo Alerta Spoiler y en diversas notas como Diez películas en el Mayo Francés.

La plataforma CineAr ofreció gran variedad de estrenos. Uno de los primeros fue Las Furias, la película de Tamae Garateguy con quien conversamos a propósito de esta experiencia. También se publicaron variadas reseñas como Tiempo perdido, una mirada sobre la vida, el corazón y el tiempo; Golondrinas que relata la relación laboral de dos hermanxs, trabajadorxs rurales precarizados, con el capataz del campo en la provincia de Entre Ríos; Niña mamá que transcurre en la intimidad de los consultorios de hospitales públicos del conurbano o Tengo miedo torero, la impactante novela de Lemebel que llegó al cine.

Entre los debates te puede interesar leer sobre Los 7 de Chicago de Sorkin y las distintas construcciones de una misma historia, ese estreno cuenta el juicio orquestado a activistas norteamericanos contra la guerra de Vietnam en los 70, a partir de la cual se nos ocurrió linkear a Godard y otras 5 películas que tratan el mismo tema de maneras muy distintas. En el mismo sentido te puede interesar conocer sobre los estereotipos de los pueblos originarios o «indios salvajes» en el cine nacional y ver las películas recomendadas.

Podes volver a ver la programación de diversos festivales que fue difundida a través de notas y reseñas como el Festival de Cine Alemán, Doc Bs As, Bazofi, entre otros. Mientras el 35 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata contó con una cobertura especial con críticas, recomendaciones y entrevistas muy recomendables. A través de diversas reseñas se dieron cuenta de las nuevas producciones como Las mil y una de Clarisa Navas o Adiós a la Memoria de Nicolás Prividera, entre otras.

Y como si fuera poco, seguimos en 2021

También realizamos muchas entrevistas en nuestro ciclo Cultura y pandemia, pero eso es otra historia. Para finalizar te dejamos un bonus track, el cortometraje documental Las voces ignoradas en más de cien días de cuarentena Argentina, un testimonio vivo de la desigualdad del acceso a los cuidados, el agua y la salud que tan necesarios son en estos momentos. Esperamos que puedan hacer uso de esta agenda de propuestas y ¡nos vemos en 2021 con todo el Cine a pantalla revuelta!

Larga vida al cine de Godard

El jueves 3 de diciembre Jean Luc Godard cumplió 90 años, por lo que vimos la posibilidad de aprovechar la excusa para hablar de su cine. ¿Por qué es Godard uno de los directores más importantes del siglo XX y del siglo XXI? ¿Por qué se lo considera un cineasta moderno y de vanguardia? ¿Cuál es su aporte a la renovación del lenguaje del arte cinematográfico? Julián Emerott conversó largamente con Roger Koza, Lucía Salas, David Oubiña y Eduardo Grüner. De ahí hizo surgir un video largo e interesante, y a mi se me dio por escribir estas líneas de presentación.

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Desde hace muchos años casi todas las notas que le dedica la prensa especializada va acompañada de una imagen mitológica: “recluido en su casa de Suiza”, “en su propia isla”, alimentaría su carácter “hosco” y “ermitaño” a orillas del lago Leman en Rolle. Desde ahí, esta especie de “viejo de la montaña” se dedica a lanzar películas al mundo de imágenes en que vivimos. Cada una de ellas causa revuelo, no en “las grandes masas” sino en el mundo de los cineastas, pero también de la filosofía, el ensayo, la poesía, la política y la historia, todo lo que JLG combina para su apuesta de “pensar con imágenes”.

En 2018 cuando Agnes Varda montó en Rostros y lugares (Visages Villages), la secuencia de su intento de visitarlo y el desplante que le hizo su “impresentable” amigo esa imagen se acrecentó. “Él creó el cine. Él cambió el cine”, le había dicho Agnes al fotógrafo JR para intentar explicarle quién es “el imprevisible”, “inventor, investigador” a quien intentan ver sin lograrlo, agregando que “necesitamos (más) personas como él en el cine”.

El 7 de abril de 2020 Godard sorprendió con un largo LIVE de Instagram por la cuenta de la University of Art and Design Lausanne para hablar de “las imágenes en tiempos de Coronavirus”. Riendo y fumando habanos respondió preguntas conectado a cientos de miles de personas en todo el mundo. Recordó que se mantiene activo para “experimentar con nuevas formas de contar historias” y lanzó nuevamente sus advertencias: “la televisión crea olvido. El cine hace recuerdos”.

Al finalizar el Siglo XX, JLG presentó una obra increíble y vigente en 8 capítulos llamada “Histoire(s) du cinéma” luego de haber realizado más de 80 películas desde sus comienzos. En lo que va del Siglo XXI acrecentó ese número en al menos 13 títulos más, entre los que se encuentran Libertad y Patria (2002), Film Socialismo (2010), Adiós al lenguaje (2014) y El libro de imágenes (2018) que paradójicamente fue ofrecido “al gran público” por la plataforma del monstruo de imágenes conocido como Netflix.

Para reflexionar sobre estas cuestiones y muchas otras, Julián Emerott conversó largamente con Roger Koza, Lucía Salas, David Oubiña y Eduardo Grüner. A contramano de los dictados de la red y el algoritmo de Google que exigiría “brevedad superficial”, de esas conversaciones hizo surgir un material extendido e interesante que aquí presentamos.

¿De qué y con quiénes hablamos sobre Godard en este emisión de A pantalla revuelta?

Roger Koza es crítico de cine, columnista en La Voz del Interior, Revista Ñ y Quid. Conduce el programa de televisión El cinematógrafo en canal 10 de Córdoba y Filmoteca en la TV Pública junto a Fernando Peña. Es jurado y programador en diversos festivales internacionales de América y Europa.

Lucía Salas es crítica de cine, sonidista y posproductora de imagen, colaboradora en distintas publicaciones especializadas y parte del staff de la revista La Vida Útil.

David Oubiña es periodista, crítico y guionista de cine. Es doctor en Letras por la Universidad de Buenos Aires. Dicta clases en la Universidad del cine y dirigió la compilación Jean Luc Godard: el pensamiento del cine, entre otros libros del tema.

Eduardo Grüner es sociólogo, ensayista y docente universitario. Profesor de Antropología del arte, Literatura y cine y Teoría política. En la década de 1980 dirigió la revista de crítica de cine Cinégrafo. Colabora en publicaciones para distintas revistas y es parte de la compilación Jean Luc Godard: el pensamiento del cine.

Cada uno aborda a JLG desde distintos flancos que van desde sus relaciones con la historia y sus diferentes etapas como cineasta. Sus compromisos políticos y su política de la forma. Las representaciones de la mujer en sus obras. Sobre su constante reflexión acerca de la propia práctica de hacer cine y sobre todo buscar entender la búsqueda, la indagación en torno al problema del lenguaje, la significación y las formas de representación de las imágenes que son el centro de la obra de Godard.

Larga vida al cine de Godard

Cuando todo se termina en los títulos de El libro de imágenes con su voz gruesa e inconfundible que progresivamente se llena de ecos propios y hasta se ve afectada por la tos, sobre una oscuridad absoluta JLG dice:

E incluso si… e incluso si nada pasara como esperábamos, no cambiaría nuestras esperanzas. Seguirían siendo una utopía necesaria y luego las expectativas encenderían muchas voces reprimidas por el enemigo más fuerte. Despertarían constantemente y el campo de las expectativas sería mayor que el de nuestro tiempo. Extendería por todos los continentes la necesidad de contradicción.
La resistencia nunca se debilitará. Así como el pasado era inmutable, las expectativas permanecerán inmutables y los que, cuando éramos jóvenes alimentábamos la esperanza ardiente… aunque nada fuese como queríamos, nuestra esperanza nunca cambiará.

Luego de una afirmación así lo que sigue es bailar.

JLG representa en el Siglo XXI al cineasta con las preocupaciones vanguardistas y “modernas” del siglo XX, pero no lo hace desde la melancolía sino desde el presente conectado a la historia. Como él mismo aseguró varias veces de forma provocativa “Todas mis películas han constituido informes sobre la situación, documentos de actualidad, tratados quizás de una manera particular, pero en función de la actualidad moderna”.

Al mismo tiempo JLG encarna en ese presente con memoria dos afirmaciones claves. Por un lado el aviso permanente de que el tan naturalizado “lenguaje del cine” en todas sus formas masivas es una construcción artificial. Un invento humano institucionalizado por la industria cultural, por lo tanto encapuchado, a quien no solo es posible sino necesario liberar. Por el otro lado, el intento permanente de lograr hacer pensar al cine en su propia especificidad, entender el lenguaje audiovisual como una forma de conocimiento de la realidad por medios sensibles, por lo tanto abiertos, sugerentes y en constante mutación, pero forma de conocimiento al fin.

De todos los cineastas que emprendieron una preocupación similar, como Chris Marker [1] (1921-2012) o Peter Watkins [2] (1935), es quien más radicalmente toma ese camino volviéndose por momentos hermético, tajante, difícil. Ellos también giraron su producción en los años 60 hacia formas particulares de pensar el lenguaje y con eje en lo nuevo que había surgido: la hegemonía del discurso de las imágenes. Excediendo la sala de cine y la pantalla de TV, expandiéndose al VHS, la imagen electrónica y la explosión digital.

Por montaje nos viene a la cabeza la reflexión de Dziga Vertov, el cineasta soviético que pensó los dispositivos interactivos antes de que existieran y que JLG tomó como referencia. En momentos en que el estalinismo le negaba la capacidad de producir en la Unión Soviética acusándolo de “no ser accesible a las masas”, él se preguntaba:

Admitiendo siquiera que algunos de nuestros trabajos sean difíciles de comprender, ¿debe deducirse de esto que ya no debemos hacer el menor trabajo serio, la menor investigación? Si las masas necesitan fáciles folletos de agitación, ¿debe deducirse de esto que no tienen nada que hacer con los artículos serios de Engels y Lenin? Quizá tengan hoy entre ustedes a un Lenin del cinematógrafo y no le dejen trabajar bajo pretexto de que los productos de su actividad son nuevos e incomprensibles…

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A partir de los años 70, luego del giro de JLG a la militancia más radical aunque ligada al maoísmo, cada película suya se fue convirtiendo en parte de una gran obra única que es al mismo tiempo quizás una marca de cómo él comprende el cine:

A mi me interesa hacer cine, no una película. La mayor parte de los directores han de expresarse a través de una serie de convenciones ajenas, retóricas, impuestas por una tradición. Hay, por ello, una especie de profunda asincronía entre los realizadores cinematográficos y sus obras. Por eso no hago más que volver una y otra vez al punto cero, para romper esa asincronía y hacer “mi” cine. Quizás por eso cada vez sé menos, cada vez estoy menos seguro y acepto menos. Tengo la suerte de haber realizado muchas películas; pues bien, cuando hice la segunda “sabía” bastante más que ahora…

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Lo cierto es que JLG nos hace saber a nosotros con cada película suya que hacer cine, pensar y hablar con imágenes “es una cuestión moral”, como dice su famosa frase tan abierta a diversas interpretaciones. Que la búsqueda utópica del encuentro entre forma y contenido es el motor principal del lenguaje audiovisual, y más aún del que busca potencia crítica y cuestionamiento al sistema social que estandariza, naturaliza y ahoga los miles de lenguajes posibles bajo la bota de la industria cultural. Por todo esto es muy interesante entrar nuevamente al mundo de Godard a través de las reflexiones de Roger Koza, Lucía Salas, David Oubiña y Eduardo Grüner, que aquí presentamos.

NOTAS AL PIE

[1] Chris Marker se mantuvo activo hasta su muerte en 2012. Fue también un cineasta del ensayo, las asociaciones y el hipervínculo. Comparte con Godard las reflexiones sobre las imágenes y el mundo digital. Ya en San Soleil (1983) se plantea cómo las imágenes tocadas quizás se volvían «más verdaderas». Sobre el problema decía en esa película: «Mi compañero Hayao Yamanenko ha encontrado una solución. Si las imágenes presentes no cambian, hay que cambiar las pasadas. Me mostró las luchas de los 60 retocadas por sintetizador. ‘Imágenes menos mentirosas’ me dice con la convicción de un fanático… ‘que las que ves por televisión’. Al menos, muestran lo que son, imágenes… y no la forma transportable y compacta de una realidad inaccesible. Hayao llama al mundo de su máquina ‘la zona’ en homenaje a Tarkovski».
[2] Peter Watkins ataca las naturalizaciones de la industria cultural de una manera radicalmente distinta a JLG. Su apuesta es a la fusión total de los géneros y los tiempos dando lugar a una narrativa totalmente nueva, llegando a hacer documentales sobre realidades posibles, pasados o futuras con todo el «realismo» que una decisión tal conlleva. Toma como tema principal la represión física y mental, la dominación de los medios y las posibilidades de resistencia ante ellos, sosteniendo en su programa artístico la unidad entre forma y contenido como condición de la crítica antisistema y el ataque frontal a «la monoforma» (el lenguaje audiovisual institucionalizado por la industria, especialmente de Hollywood).