Cuba: cine y revolución

El 1º de enero se cumple un nuevo aniversario de la revolución cubana. En el campo del cine, la revolución significó la expulsión de las productoras y distribuidoras imperialistas, y la posterior nacionalización de la industria, medidas que dieron a la producción audiovisual un impulso inusitado.

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La revolución cubana avanzó contra los intereses imperialistas expropiando tierras y empresas, atacando la dominación capitalista, lo que significó la obtención de enormes conquistas para el pueblo en distintas áreas. En el campo del cine también se vivió una revolución, tras la expulsión de las productoras y distribuidoras imperialistas, y la posterior nacionalización de la industria, la producción audiovisual tuvo un impulso inusitado. Realizadores y trabajadores del cine pudieron trabajar en una industria que ya no estaba regida por intereses comerciales.

La nacionalización de la industria cinematográfica cubana es lo que permitió el importante desarrollo del campo audiovisual de la isla que hoy tiene reconocimiento latinoamericano y mundial. Cuando en 1959 se funda el ICAIC, en la Ley que promueve su creación se plantea una definición importante “El cine es un arte” y seguidamente que “el cine constituye por virtud de sus características un instrumento de opinión y formación de la conciencia individual y colectiva y puede contribuir a hacer más profundo y diáfano el espíritu revolucionario y a sostener su aliento creador […] La estructura de la obra cinematográfica exige la formación de un complejo industrial altamente tecnificado y moderno y un aparato de distribución de iguales características”.

Desde este punto de vista, para que esta ley funcionara cabalmente, había que rescatar toda la cadena que va desde la producción a la distribución general, incluyendo las salas de cine de todo el país. Mientras varias compañías norteamericanas como Republic Picture, Paramount y RKO Radio, cerraban sus sucursales en Cuba.

El primer cine intervenido fue el de Arte y Ensayo La Rampa por resolución 1104, del Ministerio de Bienes Malversados. Más tarde pasan al control del ICAIC los circuitos más importantes del país según Ley 890 del 13 de octubre de 1960. Ya se habían nacionalizado algunos cines como Riviera, Acapulco y Lido, y estas nacionalizaciones continuaron hasta abarcar toda la exhibición comercial del cine en el territorio nacional.

En cuanto a las distribuidoras de películas, en 1961 se procede a la intervención y nacionalización de todas ellas. En esta primera etapa se nacionalizaron seis empresas norteamericanas: Películas Fox de Cuba, Artistas Unidos, Metro Goldwyn Mayer, Columbia Pictures, Warner y Universal. Todas estas empresas fueron asumidas por el ICAIC en una nueva llamada Distribuidora Nacional de Películas. El 5 de enero de 1965 con la nacionalización de otras empresas distribuidoras culmina este proceso. Pero no sólo se ocupa la vieja infraestructura, sino que se crea nueva, el mismo año de 1965 se inauguran en toda la isla 35 modernos cines de nueva construcción en pequeños pueblos del interior del país.

Estas medidas de expropiación y nacionalización de industria del cine dieron impulso a una producción audiovisual nueva y original, una renovación temática e incluso del lenguaje audiovisual, que aportó muchas de las bases del movimiento del “Nuevo Cine Latinoamericano” surgido a fines de los años `70.

Los primeros años tuvieron el impulso del ICAC bajo la dirección de Alfredo Guevara. Santiago Alvarez comienza con la realización del Noticiero ICAIC Latinoamericano. Numerosas personalidades del cine mundial como Roman Karmen, Chris Marker, Joris Ivens, Agnes Varda, Cesare Zavattini y muchos otros, viajan a Cuba para aportar en este proceso. Tomás Gutiérrez Alea dirige el primer largometraje de ficción, “Historias de la Revolución”, y continúa con “Las doce sillas”, “La muerte de un burócrata” y “Memorias del subdesarrollo”. Julio García Espinosa, Humberto Solás y Manuel Octavio Gómez son otros de los importantes nombres de estos tiempos. El cine cubano se destaca por la utilización de múltiples recursos y géneros, y tuvo a su vez distintos momentos en donde pudo expresar no sólo la crítica al capitalismo y al imperialismo, sino también en los primeros años del impulso revolucionario, una crítica a los elementos de burocratización del régimen.

La vitalidad y creatividad de este movimiento se encuentra en las bases de un proceso revolucionario que avanzó con medidas anticapitalistas, con la expropiación y nacionalización del conjunto de la economía. El resultado también implicó una revolución en el público, en el gusto y el acceso a las salas. Hasta hoy el pueblo cubano es entusiasta del cine e inunda las salas, además porque el costo es muy bajo y permite un acceso popular. Un proceso inverso se vivió en el resto de Latinoamérica y Argentina, en las últimas décadas, donde la entrada al cine es muy cara y las pantallas se concentraron en las grandes ciudades donde acceden sectores de mayores recursos.

Las medidas económicas que viene impulsando el PC cubano desde hace años, los acuerdos con Estados Unidos, y la apertura al capitalismo, apuntan en un sentido contrario. En este momento, rescatar esta experiencia del Cine cubano es una fuente inspiradora para seguir pensando el cine en clave de revolución.

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Godard: el cine piensa

La producción audiovisual de Godard es muy amplia. En cada etapa también ha planteado sus puntos de vista sobre el lenguaje audiovisual a través de distintos escritos. La presente nota recorre algunas de estas reflexiones.

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La producción audiovisual de Godard es muy amplia e incluye cortometrajes, programas de TV, largometrajes de ficción, documental, cine militante, ensayos, realizaciones colectivas y múltiples experimentos. Desde 1954 hasta hoy, son 60 años de cine. En cada etapa de su trabajo también ha planteado sus puntos de vista sobre el lenguaje audiovisual a través de entrevistas, escritos, notas periodísticas, charlas, clases públicas o ensayos. Recorrer algunas de estas reflexiones aporta para conocer sus ideas y sumergirse en su propuesta audiovisual.

Tomando en cuenta la importancia que las “citas” tienen en sus producciones, como forma de retomar las mejores experiencias de las producciones culturales a lo largo de la historia, nos encargamos ahora de citar a Godard, para difundir sus ideas y retomar sus cuestionamientos.

“Tiene que ver con el gusto por la cita que siempre he tenido. ¿Por qué reprochárnoslo? La gente, en la vida diaria, cita lo que le apetece. Así que nosotros tenemos derecho a citar lo que nos gusta… Si a uno le apetece decir una cosa no hay más que una solución: decirla”. (1962)

Sobre la televisión

Godard presencia muchos cambios tecnológicos, entre ellos la aparición de nuevas tecnologías livianas que permitieron experimentar otras formas del lenguaje como las impulsadas por la Nouvelle Vague, y también el desarrollo de la televisión, como tecnología y como lenguaje. Sobre esto último ha planteado reflexiones muy críticas correspondientes a distintos momentos.

“La televisión es el Estado; el Estado son los funcionarios, y los funcionarios…son lo contrario de la televisión. Es decir, lo contrario de lo que debería ser… La televisión no es un medio de expresión. La prueba está en que, cuanto más idiota es, más fascinante resulta y más fascinada se queda la gente en su sillón. Eso es la televisión, pero podemos esperar que cambie…No hay que considerarla como un medio de expresión, sino de trasmisión. Hay que tomarla, tal y como es…”(1962).

Estas primeras reflexiones de los años 1960-62 se dan en un contexto en el que hay un gran crecimiento del medio en Francia. De 1,9 millones de aparatos receptores en 1960, se da un salto a 9,5 millones en 1964. Por otro lado, la TV francesa estaba monopolizada por el poder político, algunos analistas comentaban: “el poder gaullista es el poder personal más el monopolio de la televisión”.

En los años ´80, el desarrollo de la televisión representaba para Godard una amenaza para el cine.

“El cine, que intentó ser un arte en la medida en que intentó ser una industria, fue interrogado por la televisión como un servicio secreto interroga a un espía del campo enemigo. Para darle vuelta…
La televisión es nuestro propietario, nuestro dueño, nuestro príncipe… Somos campesinos, y tenemos que entregar la cosecha al príncipe… Es alarmante”.
“El cine no tiene más que proyectos y la televisión no tiene más que rechazos. La tele escupe, suda, vomita. El cine abre, muestra, acoge. Proyecta”
(1987).

“Ahora es la televisión la que hace la cultura… Hay un hambre demente de cultura que no ha sido saciada y que se ha visto apropiada por la televisión…
La televisión fabrica olvidos, mientras que el cine fabricaba recuerdos. ¿Por qué quieren olvidar?
Se han hecho muchas bromas al respecto, pero lo podemos ver: el futuro del cine era la televisión”
(1990).

“Todas nuestras desgracias derivan del hecho de que, muy rápidamente, se rechazó que el cine estuviera hecho para pensar. Y, de este rechazo, nació la televisión” (1995).

“En la tele, se ve muy bien qué es la democracia: están los ciudadanos, mudos; están los nobles o los parlamentarios o el gobierno, en torno a una mesa; y después hay un animador. Eso es la democracia. Es una imagen” (2004).

Una imagen imperialista

La crítica al imperialismo está presente en muchas de sus películas, tanto en las temáticas como en el cuestionamiento de las formas. También esta crítica recorre sus reflexiones.

“…Desde la invención de la fotografía, el imperialismo ha hecho películas para impedir que las hicieran aquellos a los que oprimía. Ha creado imágenes para disfrazar la realidad ante las masas oprimidas. Nuestra tarea es destruir esas imágenes y aprender a construir otras, más sencillas, para servir al pueblo, y para que el pueblo, a su vez, se sirva de ellas” (1971).

“Los americanos invadieron el mundo con el cine, después se han dedicado a invadir de una manera más o menos amistosa con otros procedimientos. Actualmente, son ellos los que cuentan la guerra de Vietnam, y no los chinos, ni los vietnamitas. También la guerra de 1914 la contaron sobre todo los americanos” (1997).

“Siempre nos han reprochado “no explicáis ninguna historia”. Sólo America dice que una historia ha de tener un principio, nudo y desenlace, y que, además, ese final tiene que ser feliz” (1999).

“Evidentemente, no es azaroso que el cine americano pueda invadirlo todo, es el caballo de Troya de los Estados Unidos desde la Primera Guerra Mundial. En cierto modo, es el cine americano el que ha ido a Irak. Como hemos podido ver en la televisión” (2004).

Cine y política

Godard cuestiona el capitalismo a través de formas y contenidos, impulsando distintas experiencias colectivas e individuales. En este camino retoma experiencias del cine en los momentos de revolución:

“El cine está encarcelado… El capital, a través de sus diversas formas controla y asfixia el cine. Hay una estructura convencional y mecánica, un clasismo profesional…” (1968).

“Grupo Dziga Vertov: este nombre significa que estamos intentando, aunque sólo seamos dos o tres, trabajar como un grupo. No simplemente trabajar como colegas, sino como un grupo político. Lo que significa combatir, luchar en Francia. Estar implicado en la lucha significa que debemos luchar a través de la películas… Un grupo no sólo significa ir individualmente uno al lado de otro por el mismo camino, sino caminar juntos políticamente… Yo era un cineasta burgués, y después un cineasta progresista, y después ya no fui un cineasta, sino simplemente un trabajador del cine” (1970).

“Del montaje se ha hablado mucho sobre todo en las épocas de cambios. En el S.XX, el mayor cambio ha sido el paso del imperio ruso a la URSS: es lógico que los rusos hayan sido los que más han progresado en esta búsqueda, simplemente porque, con la Revolución, la sociedad misma estaba haciendo el montaje del antes con el después” (1992).

“Creo que el montaje es la figura soñada por el cine y por el pensamiento, de la que el cine debería haber sido heredero” (1997).

“Es una idea del arte bastante clásica la que afirma que la obra es más importante que el hombre. Esto es lo que llamamos “política de autores” y no se entendió bien. La palabra importante era “política” y no el autor en sí mismo. Soy el autor de una obra, pero es la obra la que cuenta” (1995).

Un instrumento para pensar

Godard va construyendo su propia idea de la función del cine a lo largo de toda su experiencia. Una reflexión que se va destacando es que el cine es un “instrumento para pensar”.

“Siempre he pensado que el cine es un instrumento para pensar… Entonces se ve que el cine no ha utilizado más que una pequeña parte de sus facultades. Se han privilegiado los derechos del cine y no los deberes… El cine no ha desempeñado su función como instrumento de pensamiento. Porque se trataba cuando menos de una manera singular de ver el mundo, de una visión particular que después se podía proyectar…Pero, visto que el cine cosechó enseguida un gran éxito popular, se privilegió su lado espectacular. De hecho este lado espectacular, no constituye más que el 10 o el 15% de la función del cine: sólo debería haber representado el interés del capital. Ahora bien, rápidamente pasaron a servirse del cine solo en función de sus intereses y no le dejaron desempeñar su función más importante. Se equivocaron. No soy pesimista: digo simplemente que hay cosas que solo podía hacer el cine -y no la novela, ni la pintura, ni la música- y que no se han hecho” (1995).

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El conflicto de Lear y los artistas

Durante el conflicto de Lear se desplegaron múltiples iniciativas de lucha. La creatividad surgió a cada paso, alimentada con la convicción de “los indomables”. Como parte de todas estas experiencias fueron también muchos los artistas que aportaron para que este conflicto triunfe.

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Durante los casi siete meses del conflicto de los trabajadores de Lear se desplegaron múltiples iniciativas de lucha. La creatividad surgió a cada paso, alimentada con la convicción de “los indomables” que con su ejemplo entusiasmaron y convencieron a miles. Como parte de todas estas experiencias fueron también muchos los artistas, creadores, plásticos, fotógrafos, realizadores audiovisuales, músicos, estudiantes de arte y actores que aportaron con distintas movidas artísticas y culturales para que este conflicto triunfe.

Mientras la “batalla cultural” del kirchnerismo se desnuda con su verdadero rostro, ser un telón para tapar las políticas de ajuste y represión a los trabajadores que se organizan. Mientras se impulsan shows o mega eventos para que el entretenimiento oculte la verdadera cara de Berni, su gendarmería y los ataques patronales. Mientras la oposición pinta de otro color el escenario para seguir ese mismo camino. Surgen nuevas iniciativas que buscan una confluencia de su producción artística y cultural junto a los trabajadores y los sectores en lucha, allí donde se gestan los cambios profundos. Muchas de estas actividades realizadas fueron reflejadas por La Izquierda Diario, en esta nota recorremos algunas de estas experiencias.

Arte e intervención

El arte junto a la lucha de los trabajadores

El arte vuelve a estar en las calles, junto a las luchas de los trabajadores, retomando su tradición más disruptiva.

¿Arte carancho inspirado en gendarmes artistas?

Estudiantes del IUNA realizaron una intervención artística en apoyo a los trabajadores de LEAR durante la movilización del 11/09/14 al Ministerio de Trabajo en la Ciudad de Buenos Aires. Se burlaron del gendarme carancho y el maléfico Dr. Berni, secundado por el espía Galeano.

Los payasos Karanchos

Los estudiantes y artistas del IUNA acompañaron de manera creativa la movilización de los trabajadores de Lear en el centro de la ciudad de Buenos Aires.

Los payagendarmes llegaron hasta Mendoza

Luego del escandaloso intento de la Gendarmería de “armar” una causa contra un automovilista que participaba de una manifestación en apoyo a la lucha por la reincorporación de los despedidos y despedidas de Lear, jóvenes artistas decidieron parodiar al “gendarme carancho”.

Impresiones de Sacco y Vanzetti

Los actores Fabián Vena y Walter Quiroz apoyan la lucha de Lear

Arte desde Neuquén a MadyGraf (ex Donnelley)

El artista plástico y obrero de la Cerámica Neuquén, Gustavo Cáceres, donó a Madygraf obras con motivos de la lucha de Lear

Marx en Sociales junto a los trabajadores de Lear y Donnelley

La Caja Roja, Ilustraciones para fortalecer la lucha

A través de distintas convocatorias de artistas plásticos, historietistas, ilustradores y dibujantes se realizaron distintas series de ilustraciones que acompañaron cada momento del conflicto

Los Rugidos de la Lucha
Imágenes realizadas por Artistas en apoyo a la lucha de Lear

Artistas se expresan por los despidos y la represión en Lear

Músicos con Lear

En recitales, festivales, por medio de las redes sociales, los trabajadores de Lear recibieron la solidaridad y el apoyo de músicos de todos los estilos.

René recibe un premio apoyando la lucha de Lear

El “Blues Maestro” Botafogo también apoya la lucha de Lear

Musas, rosas, rojas

Voces de músicos luego de la represión a Lear

Un eSka-P solidario

Ska-punk, lucha y solidaridad

MadyGraf junto a Lear difundiendo su lucha en el recital de Ska-P…

Oscura Cepa: desde El Carmen, Jujuy y la vida de trabajador

Fotografía y video. Las imágenes de la lucha

La victoria de la lucha en Lear en imágenes

Los fotógrafos de Enfoque Rojo junto a fotógrafos solidarios retrataron cada momento de la lucha durante todos estos meses. Sus imágenes permitieron ampliar la difusión y transmitir la enorme fuerza de lucha a lo largo de todo el país, y el mundo.

Campaña de videominutos: Imágenes para fortalecer la lucha

Para fortalecer la campaña “Familias en la calle nunca más” impulsada por las asambleas de trabajadores de Lear y Donelley, se largó la convocatoria audiovisual para realizar videominutos con esta temática.

Zona Industrial y TVPTS

Los realizadores audiovisuales de Zona Industrial y TVPTS aportaron videos de cada uno de los momentos de la lucha. Es difícil cuantificar todo el aporte audiovisual, distribuido en los canales de youtube dezonaindustrial, tvpts, y laizquierdadiario, ademas de muchos otros materiales que circularon por celulares. Sus imágenes fueron un aporte para difundir la lucha y amplificar la solidaridad, también sirvieron de pruebas para denunciar la represión y el espionaje del gobierno como el caso del “gendarme carancho”.

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Cine zombi: Juan de los muertos, mata a tus seres queridos

El estreno de “Juan de los muertos” en Argentina, la película de zombis cubanos, es de esas gratas sorpresas que dan aire fresco entre tanto cine hiperindustrial que abarrota las pantallas nacionales. Con un guión bien planteado, humor ácido, crítica social y política.

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De golpe La Habana se llenará de zombis cumpliendo el ciclo del género, de manera viral el contagio de uno se multiplicará en decenas, centenas y luego miles de infectados por mordidas y ataques hasta cubrir la ciudad. Pero a diferencia de la mayoría del cine zombi, nuestros antihéroes Juan y Lazaro no verán en ello nada más raro que mucho de lo que han vivido. “Sobreviví al Mariel, sobreviví a Angola, sobreviví al período especial y a eso otro que vino después… ¿no voy a sobrevivir a esto?” dirá Juan con absoluta idiosincrasia cubana.

Como es debido, el gobierno controlando los medios de comunicación ocultará el hecho, señalando que el caos es generado por “disidentes” apoyados por Estados Unidos. Mientras la cosa se va de madres, ellos se tendrán solo a sí mismos para enfrentar la situación, y montarán un negocio para sobrevivir bajo el slogan: “matamos a sus seres queridos”. Juan junto a su hija Camila, con quien lleva una dura relación sentimental; Lazaro junto a su hijo “California”; y la tropa se completará con “la china” y su novio, un negro gigante que es claramente “chocolate pa’ to’ el invierno”.

Juan de los muertos tiene todos los tópicos del género, pero a la manera del buen cine cubano: con un guión bien planteado, humor ácido, crítica social y política. Aunque la historia se desarrolla en la superficie de este tipo de films, siguiendo un esquema predecible, se vuelve profunda al arraigarse en Cuba, en sus problemas internos, el desarraigo familiar, la lucha por la supervivencia, las fantasías del escape a Miami, el bloqueo económico, el antiimperialismo. Con los zombis en La Habana se construye una sátira como solo los cubanos pueden hacer, explotando su espíritu auto paródico y riéndose de sus propios problemas de manera descarnada.

Es de destacar que todo esto se logra tomando un género nunca explotado antes en isla, lo cual no es nuevo, puesto que desde los comienzos de ICAIC en pleno proceso revolucionario, los cubanos se apropiaron de los estilos hollywoodenses para darles una impronta propia, nacional. Juan de los muertos se puede disfrutar en cualquier parte del mundo, pero será más sensible al pueblo de Cuba. Hasta el contexto secundario del film, por ejemplo los derrumbes de edificios que son “parte del paisaje” de la invasión zombi, son algo lamentablemente real en la vida de La Habana, será por eso que ni Juan, ni Lazaro reparan en ello como algo terrible. La película está repleta de estos guiños. “¿Ves algo distinto?” se preguntan ante una calle llena de zombis, “nada” responde otro.

Una de las líneas de interpretación sobre el “cine zombi”, alude a la crítica de la sociedad de consumo, en este análisis: los zombis somos nosotros, entre otras cosas, llevados al paroxismo y comiéndonos unos a otros en el mercado. El nacimiento de este subgénero de terror estuvo ligado a la crítica social y política, en especial por quien es considerado su “padre”, el director George A. Romero. Sus films de muertos vivientes se abren con lo que es considerado un cuestionamiento a la guerra de Vietnam (La noche de los muertos vivientes -Night of the living dead- de 1968), pasando por el ataque al militarismo de la era Reagan (El día de los muertos -Day of the dead- 1985), y llegando hasta nuestros días. “Juan de los muertos” se inscribe a su manera bizarra en esa línea, la mejor de un genero imposible de medir en todas sus variables mundiales.

Otra línea de interpretación propia ante el cine zombi, es que el atractivo de “el caos” generado por una invasión que destruye el mundo cotidiano, reside en que obliga a resetear todos los valores podridos de este sistema, y a su puesta en marcha nuevamente, con posibilidades de hacerlo de manera genuina. En esta línea de análisis, el grupo que se forma para enfrentar la invasión (por lo general entre gente que no se conocía previamente) es el eje del deseo y la atracción. Bajo la imposibilidad de cambiar el mundo de conjunto, al menos un grupo reducido puede reencontrar los valores de amistad, amor, solidaridad, y vivir aventuras, aunque sea en un mundo distopico. Si bien “Juan de los muertos” cumple al pie de la letra la formación del grupo resistente, aquí la distopía parece no existir, la invasión es solo una variante de la vida cotidiana.

El estreno de “Juan de los muertos” en Argentina, la película de zombis cubanos, dirigida por el argentino Alejandro Brugués, es de esas gratas sorpresas que dan aire fresco entre tanto cine hiperindustrial que abarrota las pantallas nacionales. Incluido obviamente el cine zombi en esta apreciación, como la fascistoide “Guerra mundial Z” (“War World Z”, 2013) dirigida por Marc Forster y protagonizada por Brad Pitt.

Como es normal en una película cubana (aunque cuenta también con financiamiento español), llega a nuestro país casi cuatro años después de su realización en la isla (2010), ya que no cuenta con el inflador de una distribuidora multinacional. Recibió varios premios en festivales, personalmente había podido ver una copia pirata hace dos años. Al igual que “7 cajas”, el thriller paraguayo del mercado cuatro, quizás demuestra que el film de género, nacido en Estados Unidos, en la decadencia del imperio encuentra vitalidad allende las fronteras, en las “exóticas” tierras donde el polvo de oro no tapa los ojos de los realizadores, que lo que quieren es solo hacer cine, y si es posible divertirse. Que el cine es eso: un divertimento de feria.

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La imagen que construye el PTS

Al finalizar el acto del PTS en el estadio cubierto de Argentinos Juniors, la mayoría de los asistentes comentaban el impacto que les provocó toda la “puesta en escena”, el enorme despliegue audiovisual, de luces y sonido desde el escenario, y la organización general. En definitiva se asistió a un evento, donde los oradores pudieron hablar en un marco creativo, pensado para agitar a miles las ideas revolucionarias. Los trabajadores, las mujeres combativas y la juventud se merecían un acto así.

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Este despliegue estuvo a cargo de los equipos audiovisuales detvpts.tv y zonaindustrial.tv, del grupo de fotografía enfoque rojo, y del equipo de organización del PTS a cargo de la tarea de generar una estructura para recibir a miles de personas. Al que se sumaron decenas de militantes, profesionales en distintas áreas, como la iluminación y el sonido, la transmisión en vivo por internet, la difusión en redes sociales. Desde varias semanas previas se preparó todo como parte del contenido del acto.

Mientras se fueron sacando vía redes los spot de convocatoria al Acto, con la voz de militantes de todo el país, e incluso spot de ficción y humor político para difusión, se prepararon los videos que se proyectarían el 6 de diciembre. Ya que uno de los principales dispositivos fue una pantalla de LED de 10 x 5 mts.

Cada orador estuvo presentado por un spot que daba un marco a su intervención, lo contextualizaba y apoyaba, a la vez que durante su discurso la pantalla se convertía en un fondo con video, animaciones y logos seleccionados especialmente. Alternado con la transmisión que se estaba realizando en vivo por internet para centenares de personas.

Muchas veces se señala que en la política actual la imagen es clave, es el fundamento del uso que hacen de ella los partidos de los empresarios, priorizando la TV, y jugando en sus actos con todo tipo de efectos de espectáculo. Pero mientras los partidos de la burguesía usan el despliegue audiovisual y escénico para la “venta” de candidatos al estilo publicitario, los asistentes al acto del PTS pudieron ver las imágenes que ellos mismos están generando en todo el país. Imágenes no inventadas por una empresa de publicidad, sino construidas por un partido dinámico, y captadas por equipos militantes que hacen del audiovisual y la fotografía una herramienta de lucha.

Las imágenes de todos los asistentes al acto levantando las fotografías con los rostros de los 43 estudiantes desaparecidos en México, mientras se desplegaba una bandera gigante de solidaridad, son parte de esa militancia. Mientras La internacional se pudo entonar con unvideo especial, que convirtió la pantalla en un karaoke gigante para que la letra del himno de los trabajadores se cante, y también se pueda difundir por redes.

El acto del 6 de diciembre perdura en las fotos, en los videos, y reafirma el contenido de los discursos. Para contar que es hoy el PTS la corriente más dinámica de la izquierda argentina.

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Información sobre el vendedor

Los gusanos zombis taladran el hueso de las ballenas muertas, y a vos el pelo negro te lleva como una pollera que cubre las nalgas, pero es en la noche de los muertos vivientes donde el negro muere en manos fascistas. Nosotros, los humanos, somos eminentemente visuales, por lo que la mayoría de nuestros conceptos provienen del área del cerebro que se ocupa de las impresiones ópticas. De chico me gustaba observar cualquier situación pequeña, el movimiento de una hoja, la caída de un panadero, el desplazamiento de un insecto, me deleitaba saber que era un momento único, irrepetible, que nadie más había visto, y que nunca jamás volvería a suceder. Las luces, el movimiento cinético de los cables de electricidad desde el auto, un pasto moverse, el polvillo flotando en la ventana, la cara que formaban las hojas, la liebre escondida que no le dije a nadie. La ciencia que estudia los insectos se denomina entomología, por eso camino en los bosques de moho. Nada que haya acontecido alguna vez debería darse por perdido para la historia. Una perogrullada, también conocida como verdad de perogrullo, es una expresión que, debido a que enuncia algo conocido por todos, resulta extremadamente simple o hasta innecesaria: el ojo terminó dominado por el espejo. Carina tenía pecas, sus pecas caminaban hasta taparle los ojos. Yo escribí y recibí cartas de papel que lamentablemente no eran de ella.

 

Un violín propio

NANNERL, LA HERMANA DE MOZART / La película de René Ferét cuenta la historia de Nannerl, la desconocida hermana de Wolfang Amadeus Mozart, quien también se dedicó a la música pero no tuvo las mismas posibilidades que su hermano menor.

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La película de René Ferét cuenta la historia de Nannerl, la desconocida hermana de Wolfang Amadeus Mozart, quien también se dedicó a la música pero no tuvo las mismas posibilidades que su hermano menor. ¿Cuántas compositoras de música clásica conocemos? La lista de nombres más reconocidos está compuesta por hombres, pero esta situación lejos de ser natural es la consecuencia, en el terreno particular de la música, de siglos y siglos de opresión de la mujer.

La historia de la hermana de Mozart está desarrollada en al menos cinco libros durante los últimos diez años y la reciente película de Ferét amplía la difusión.
La película está ambientada en la gira por Europa que emprende la familia Mozart en 1762 para dar conciertos interpretados por el padre y sus dos hijos presentados como prodigios. Las cartas que el padre Leopold Mozart escribió a Lorenz Hagenauer, el financista de este viaje, sirvieron como argumento para el guión.
Estos documentos aportaron parte de la historia, y otros elementos y personajes, como la relación con las hijas de Luis XV, son parte de una elaboración imaginaria basada en un estudio de la época.
Se trata de una producción histórica, sin los gastos de las superproducciones del género, pero con buena ambientación y clima de época.

En los primeros minutos de la película, Nannerl comienza a tocar el violín y esto desata una discusión familiar.

“Padre: Nannerl, te prohíbo tocar el violín

Nannerl: Cuando yo tenía su edad (refiriéndose a su hermano) me destacaba con el violín, ¿por qué me lo prohibió de repente?

Madre: Sabes bien que ese no es un instrumento para niñas, tu padre te lo repite sin cesar…”

El tono de este diálogo se repite en otras situaciones. Mientras el padre da clases de composición a Wolfang, prohíbe a Nannerl presenciarlas.

“Nannerl: Papá, ¿Me permitirías asistir a las clases de composición que impartes a Wolfang?

Padre: Mi pobre niña, se deben conocer los secretos de la armonía y del contrapunto, resulta incomprensible a mucha gente, sobre todo a las mujeres…”

Las ideas familiares eran la expresión de las ideas de la época en donde las mujeres tenían prohibido asistir a las Academias de Música. Su lugar en la sociedad estaba destinado al trabajo doméstico y el cuidado de su familia.
La película refleja esta problemática a través de distintos personajes.

La situación de opresión de la mujer y la discriminación ante la producción artística es un tema abordado en diversas obras, una de ellas es Un cuarto propio (1929) de Virginia Woolf, un ensayo que relata muchos aspectos similares a la historia de Nannerl. En este texto la autora hace el ejercicio de imaginar ¿Qué hubiera pasado si Shakespeare hubiera tenido una hermana?. La respuesta, al igual que en la película, relata que a esta hermana imaginaria-Judith- nadie le hubiera permitido escribir, estudiar o realizar cualquier actividad creativa como la desarrollada por su hermano. “Entretanto, su dotadísima hermana, supongamos, se quedó en casa. Tenía el mismo espíritu de aventura, la misma imaginación, la misma ansia de ver el mundo que él. Pero no la mandaron a la escuela. No tuvo oportunidad de aprender la gramática ni la lógica…”. En fin , al igual que la hermana de Mozart, hoy nadie la conocería. Además de la opresión de género, el texto remarca la opresión de clase como un elemento central que impide el desarrollo artístico. “El poeta pobre no tiene hoy día, ni ha tenido durante los últimos doscientos años, la menor oportunidad… Y las mujeres siempre han sido pobres, no sólo durante doscientos años, sino desde el principio de los tiempos…Las mujeres no han tenido, pues, la menor oportunidad de escribir poesía…”
Woolf plantea la necesidad de la emancipación económica de las mujeres y la importancia de tener “un cuarto propio”, un espacio fuera del impuesto lugar familiar, en donde poder desarrollar su propia creatividad.

Ni la real hermana de Mozart, ni la imaginaria hermana de Shakespeare pudieron desarrollar su producción artística.
El patriarcado se ha sucedido a lo largo de distintos sistemas de explotación en la historia, obstaculizando la producción artística de las mujeres y las clases explotadas.
Una lectura de la película Nannerl, la hermana de Mozart de René Ferét puede también dejarnos el interrogante: ¿Cuántos artistas anónimos han quedado en el camino? ¿Cuántos hombres y mujeres hoy siguen excluidos de la posibilidad de producir arte?

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